Die Ausstellung „Beyond Granite“ erinnert uns daran, wie die National Mall aussehen könnte

Wenn Sie es mit neuen Augen sehen könnten – und darüber nachdenken könnten, was es einmal war, was es sein könnte und wie es wäre, wenn es in einem anderen Land wäre – würde Ihnen die National Mall wie ein sehr seltsamer, fast surrealer Ort vorkommen. Es ist nicht von Restaurants gesäumt, es ist nicht voller Bäume, die schlängelnde Wege beschatten, und bis auf ein Karussell in der Nähe des Smithsonian gibt es wenig, was die jüngsten Besucher ablenken und erfreuen könnte.

Seit der Neugestaltung, dem Umbau und der Umnutzung durch den McMillan-Plan von 1902 ist die Mall ein nationales Forum voller Symbolik, voller Bedeutung und Geschichte und größtenteils bar jeglicher Annehmlichkeiten. „Beyond Granite“, eine einmonatige Kunstinstallation, die die übliche Art und Weise, wie wir Geschichten über die Mall erzählen, in Frage stellen soll, hat einen erfreulichen Nebeneffekt: Sie bietet eine Vision der Mall als einen viel angenehmeren, lebenswerteren und urbaneren Raum. Mit sechs Installationen, die kleiner und zugänglicher sind als die permanenten Denkmäler und Denkmäler, wird die Mall auf menschliche Größe umgestaltet, ein Ort, an dem es weniger um große und abstrakte Ideen als vielmehr um das pure Vergnügen geht, dort zu sein.

Das Projekt wird vom Trust for the National Mall in Zusammenarbeit mit der National Capital Planning Commission und dem National Park Service präsentiert und von Paul Farber und Salamishah Tillet für Monument Lab kuratiert, einer in Philadelphia ansässigen Gruppe, die sich dem Überdenken der Art und Weise widmet, wie wir Denkmäler herstellen und Monumente. Ziel des von der Mellon Foundation finanzierten Projekts ist es, „eine integrativere, gerechtere und repräsentativere Gedenklandschaft auf der National Mall zu schaffen“. Es handelt sich um die erste kuratierte Kunstausstellung, bei der mehrere Künstler auf der monumentalen Grünfläche des Landes präsentiert werden.

Es ist kaum zu glauben – es sei denn, Sie leben in Washington und verstehen den bürokratischen Aufwand, der damit verbunden ist, irgendetwas in der Mall zu tun –, dass dies das erste Mal ist, dass dort eine ernsthafte Kunstausstellung stattfindet. Andere Städte nutzen ihre Freiflächen und Parkanlagen, um einen kontinuierlichen Dialog und eine Auseinandersetzung mit der Öffentlichkeit zu schaffen. Das Paradoxe an der Mall besteht darin, dass das Potenzial, neue Bedeutungen zu schaffen, zu schrumpfen begann, je mehr sie mit symbolischer Bedeutung und historischer Resonanz aufgeladen wurde. Ein Gesetz, das die Mall vor einer rasanten Entwicklung schützt, bezeichnet sie als „im Wesentlichen vollendetes Werk bürgerlicher Kunst“, was impliziert, dass sie auch für neue Ideen und neue Interpretationen verschlossen ist. Je mehr es geschätzt wird, desto mehr wird es von der unglücklichen und reflexartigen Nullsummen-Metapher dieses Landes vom Esstisch bestimmt: Es gibt nur so viele Sitzplätze und so viel Essen, und jetzt streiten wir uns um die Essensreste.

Ja, das Einkaufszentrum ist für öffentliche Versammlungen und punktuelle Proteste geöffnet und muss dies auch bleiben. Aber es gibt unzählige andere Möglichkeiten, den öffentlichen Raum offen und dynamisch zu gestalten, und die Verantwortlichen des Einkaufszentrums haben sich ihnen zu sehr widersetzt.

Bis jetzt, wenn alles gut geht.

Die sechs von den Kuratoren ausgewählten Künstler haben ein halbes Dutzend Werke geschaffen, die in der Parklandschaft, zu der auch die Mall und die Constitution Gardens gehören, verteilt sind. Die Standorte sind strategisch und durchdacht und laden Menschen zum Verweilen an Orten ein, an denen sie normalerweise vorbeikommen.

Tiffany Chung nutzt farbige Seile, die über eine riesige Erdkarte gespannt sind, um die Migrationsmuster der Südostasiaten während und nach dem Vietnamkrieg nachzuzeichnen. Ihre Skulptur „For the Living“ befindet sich auf der sanften Anhöhe des sogenannten „West Knoll“ in der Nähe des Vietnam Veterans Memorial. Das Denkmal ist von der temporären Installation aus nicht sichtbar, aber Sie können seine Präsenz spüren. Der sanft geformte West Knoll bildet eine irdene Barriere zwischen einem dauerhaften Denkmal für Amerikaner, die in einem fernen Krieg auf von Westmächten kolonisiertem Land ihr Leben ließen, und einem temporären Denkmal für diejenigen, deren Leben durch diesen Konflikt zerstört und zerstreut wurde.

„The Soil You See...“ von Wendy Red Star befindet sich auf einer Insel im See Constitution Gardens, wo 1982 auch das Denkmal für die Unterzeichner der Unabhängigkeitserklärung errichtet wurde. Ihre Arbeit auf Glas reproduziert ein riesiges Bild ihres Fingerabdrucks und verweist damit auf die Art und Weise, wie die amerikanischen Ureinwohner Verträge und Landkonzessionen mit der US-Regierung unterzeichneten. Der Titel des Werks ist einer längeren Rede entnommen, die ein Crow Scout hielt, der mit US-Streitkräften zusammenarbeitete, und in der er den Verlust von Land durch die unerbittliche Aneignung und den Diebstahl einer nach Westen expandierenden Nation beklagte: „Der Boden, den Sie sehen, ist kein gewöhnlicher Boden – er ist der Staub des Blutes, des Fleisches und der Knochen unserer Vorfahren. … Sie müssen durch die Oberfläche graben, bevor Sie die Erde der Natur finden können, da der obere Teil Crow ist. Das Land, wie es ist, ist mein Blut und meine Toten; es ist geweiht, und ich möchte keinen Teil davon aufgeben.“

Auch hier ist der Standort der Arbeit von Red Star strategisch günstig, neben dem Denkmal für die Unterzeichner des Gründungsdokuments der Nation, auf einem Teil des Einkaufszentrums, in dessen Nähe sich einst ein Kanal und später ein Abwasserkanal befanden. Constitution Gardens war als pastorale Abwechslung von der Formalität des eher geradlinigen Einkaufszentrums gedacht, auf einem Gelände, das bis 1971 von provisorischen Gebäuden besetzt war, die während des Ersten und Zweiten Weltkriegs dem Militär dienten. Dies ist ein Land voller Schichten, Land, das vielfältige Nutzungen beherbergt. Aus dem rechten Winkel betrachtet erhebt sich das Washington Monument hinter dem riesigen roten Daumenabdruck, ein Versprechen bürgerlicher Tugend und Treue, das zu oft gebrochen wurde, um es zu zählen.

Von der erhöhten Kiesfläche aus, auf der Derrick Adams sein Stück „America's Playground: DC“ platziert hat, können Sie sowohl den ehemaligen Standort dieser provisorischen Militärbauten als auch einen Blick auf das Denkmal des Zweiten Weltkriegs werfen. Seine Installation ist in der Tat ein voll funktionsfähiger und einladender Spielplatz, und die Nähe zu Orten, die mit dem Kriegsgeschäft und seinem brutalen menschlichen Opfer verbunden sind, ist besonders poetisch.

Adams teilt den Spielraum mit zwei großen Bildern von schwarzen und weißen Kindern, die zusammen spielen, nachdem eine Entscheidung des Obersten Gerichtshofs aus dem Jahr 1954 die Rassentrennung auf Spielplätzen im Bezirk effektiv aufgehoben hatte. Auf einer Seite des Fotos sind Ausrüstung und Sicherheitsfläche schwarz, weiß und grau; Auf der anderen Seite sind sie farbenfroh. Aber beide Bilder zeigen Kinder, die gemeinsam lachen und sich wohlfühlen. Man kann dies auf verschiedene Arten lesen: Die Grauskala der Hoffnung geht dem Regenbogen der erfüllten Versprechen und Träume voraus. Aber ich habe über den schmalen Grat zwischen Spiel und Arbeit nachgedacht und darüber, wie wir in Sätzen wie „Wir müssen zusammenarbeiten/zusammenspielen, um etwas zu Ende zu bringen, das es wert ist, getan zu werden“ produktiv ein Wort durch das andere ersetzen könnten.

Adams‘ Spielplatz erinnert an die längere Geschichte des Einkaufszentrums vor der Neugestaltung im Jahr 1902, bei der öffentliche Parks, Spazierwege und andere eher parkähnliche Einrichtungen zugunsten einer langen, leeren Sichtachse zwischen dem Kapitol und dem Lincoln Memorial entfernt wurden. Seine Installation stört diese Sichtlinie nicht und eröffnet eine ernsthafte und notwendige Diskussion darüber, wie wir die Ränder des Einkaufszentrums besser nutzen könnten, um lebenswichtigere menschliche Bedürfnisse wie das Spielen zu bedienen.

Andere Installationen erinnern an Schlüsselmomente in der Geschichte der Mall als Ort des Protests und der Erinnerung. Ashon T. Crawleys „Homegoing“ nutzt Klänge und Musik aus der schwarzen Kirche, um an schwarze queere Musiker und andere, die an AIDS gestorben sind, zu erinnern. Die Musik belebt einen Schrein unter freiem Himmel, dessen niedriges Profil ein horizontales Muster erzeugt, das an einen der ergreifendsten Gedenkakte in der Mall erinnert, die Ausstellung des AIDS Memorial Quilt von 1987.

Und Vanessa Germans „Of Thee We Sing“ verwendet gemischte Medien, darunter leere Flaschen und künstliche Blumen, um ein Porträt von Marian Anderson zu schaffen, dessen Auftritt am Ostersonntag 1939 im Lincoln Memorial einen Fundus an Symbolik und Poetik schuf, der so beständig ist wie alles, was eingebaut ist Stein auf der Mall. Flaschen zerbrechen, Blumen verblassen und Musik lebt nur in dem Moment, in dem wir sie hören. Aber flüchtige und vergängliche Dinge haben ein Substrat, die Erinnerung, die ihnen eine Beständigkeit verleiht, die über andere, scheinbar haltbarere Materialien hinausgeht.

Das letzte und dem Kapitol am nächsten liegende Werk ist der interaktive Glockenturm „Let Freedom Ring“ von Paul Ramírez Jonas, der auf der 12th Street-Achse in der Nähe der U-Bahn-Station Smithsonian steht. Wenn die Glocken aktiviert sind, spielen sie alle bis auf die letzte Note von „My Country 'Tis of Thee“, einem Lied, das Anderson 1939 mit beschwörender Kraft vortrug. Eine 600 Pfund schwere Glocke am Fuß des Glockenspiels wird von Hand betätigt und Besucher empfangen sind eingeladen, es zu läuten und so das Lied zu beenden. Sie werden außerdem gebeten, über zwei Vorstellungen von Freiheit nachzudenken und einen Wunsch zu äußern, der eine davon erfüllt: „Ich möchte frei sein zu …“ oder „Ich möchte frei sein von …“

Letzteres ist oft die Voraussetzung für Ersteres: Wir müssen frei von Zwängen, Not und Sorgen sein, bevor wir die Freiheit haben, die Dinge zu tun, die dem Leben einen größeren Sinn geben. Aber „Freiheit“ bleibt für zu viele Amerikaner ein Wunsch.

Ich habe die Glocken kurz nach Eröffnung der Anlage und dem Abbau des provisorischen Zauns besichtigt, und sie waren sofort ein Hit, besonders bei Kindern. Sie hängen an einem imposanten Stahlrahmen mit einer Höhe von mehr als 22 Fuß, was sie zur „monumentalsten“ der sechs Installationen macht. Aber es sind die Platzierung und die Interaktivität, die seine Stärke wirklich ausmachen. Es macht die Achse der 12. Straße zu einem Ort des Verweilens und lädt dazu ein, abseits der Mall auf die Stadt zu blicken. Es bringt die Besucher auch in einen Kreis und blickt nicht nur auf das Glockenspiel, sondern auch aufeinander.

„Beyond Granite“ ist smart und gut produziert. Bei der eher konzeptuellen Arbeit von Besuchern, die mit den Tropen öffentlicher Kunst nicht vertraut sind, kann es zu Störungen, Schlangen beim Läuten und einigem Kopfschütteln kommen. Aber es beweist etwas, das seit Jahrzehnten offensichtlich ist: Die Mall ist zwar überfüllt mit traditionellen Denkmälern, Denkmälern und Museen, aber sie ist keineswegs ein im Wesentlichen vollendetes Kunstwerk im öffentlichen Raum. Ausstellungen wie diese sollten ein jährliches Unterfangen sein.

Beyond Granite läuft bis zum 18. September in der National Mall zwischen der 12th Street und dem Lincoln Memorial. beyondgranite.org.